El Musical ¿cultura de masas?

Tras la entrevista mantenida con Luis Álvarez-primer productor español en estrenar en Broadway (más abajo se puede leer la entrevista)- considero importante dedicar una entrada a la producción de musicales y gestión de teatros en España. Hace unos meses la siguiente noticia creaba gran revuelo entre los foros y medios de los musicales:

“La SGAE amplia su emporio con la compra de dos de los mayores teatros de la Gran Vía” ABC (30-12-2009) S.GAVIÑA/ J. BRAVO / MADRID http://www.abc.es/20091230/espectaculos-teatro/sgae-compra-teatros-lope-20091230.html

Los dos teatros a los que se refiere el titular son el Lope de Vega y el Coliseum. Tras la explosión de la era musical en nuestro país los escenarios españoles son el objeto de visión de las identidades productoras. El nuevo plan consiste en que la red de teatros ARTeria de la SGAE unifique los teatros con la intención de que queden todos reunidos, es decir, llevar a cabo algo similar al modelo americano. Es entonces cuando la preocupación de algunos se exalta produciendo dilemas en cuanto a la pregunta de para qué serán empleadas estas salas, que se caracterizan por disponer de un gran aforo. El encargado de gestionarlos es Luis Álvarez, quien afirmaba “Con el Lope de Vega hemos llegado a un acuerdo para que Stage lo siga gestionando con musicales internacionales de gran formato. En el Coliseum vamos a llevar una programación muy parecida a la que estábamos llevando en el Calderón con musicales nacionales de gran formato. Aparte de musicales también queremos hacer conciertos y como he dicho llevar la línea que hemos llevado en el teatro Häagen-Dazs Calderón”.

Aparte de todo el enjambre de producción y gestión me pregunto ¿cuál es el futuro del musical en España? ¿Es una nueva industria de la cultura de masas?

La primera pregunta, evidentemente, resulta difícil de contestar. Pero, quizás son mejores esas preguntas, las complicadas de responder. Aquellas que permiten varias perspectivas. Creo que lo más evidente es que España fija su mirada en Broadway. Allí la industria ya está sistematizada y profesionalizada, y aquí se trabaja de modo más individual. “La gran diferencia entre el mercado de Broadway y el mercado español es que allí hay una industria creada muy profesionalizada y en España no la hay” afirmaba Luis Álvarez. Existe así un énfasis incesante por alcanzar al gran escaparate del teatro musical.

Ahora bien, mercado, beneficio, gestión, industria… no puedo evitar que todos estos términos me produzcan un cierto mareo. Un mareo que surge por el temor de que el musical se convierta en el gran centro de la industria cultural, abordada por la escuela de Frankfurt. Esta explica que la cultura se viste de las formas del mercado y la producción industrial, dejando de ser actores-espectadores para ser productores-consumidores.

El teatro en nuestro país siempre ha sido una actividad para minorías, ahora poco a poco se empieza a masificar. Una posición un tanto idealista me lleva a impedir que la magia de un musical se convierta en un simple negocio. Estamos hablando de arte y el arte merece ser respetado. El arte mantiene vivo al ser humano, despierta su imaginación, su ilusión, su creatividad y su evolución como persona.

El poder de la industria cultural está mediatizado por la diversión y no por el conocimiento. Qué gran paradoja: cultura sin conocimiento. Es necesario reflexionar en ello y decidir qué es lo que queremos para nuestra propia educación.

En la sociedad actual es prácticamente imposible no ser víctima de la cultura de masas pero siendo conscientes de ello será más fácil re-encontrar las vías oportunas para recuperar en nosotros el interés por saber sin ningún fin en particular, olvidémonos de la pregunta ¿para qué? La dichosa pregunta que implica que para todo se requiere una finalidad onerosa.

Quizás por eso en los musicales encuentro un haz de esperanza en mi desarrollo porque para mí implican cultura. Al igual que una red de teatros como ARTeria ¿se podría crear una red de conocimiento e interés por investigar y saber por el simple hecho de sentirnos más realizados y no por obtener un beneficio a corto plazo?

A continuación la entrevista a Luis Álvarez:

Luis Álvarez se ha convertido en el primer productor español en estrenar en Broadway con 101 Dálmatas, y es el encargado de gestionar los teatros Lope De Vega y Coliseum de Madrid, comprados recientemente por la SGAE y unificados por la red de teatros ARTeria- a la cual pertenece también Arteria Paral•lel en Barcelona- con la que se pretende seguir el modelo americano para que los teatros se encuentren reunidos. El productor español también dispone de su propia productora, Wonderland, con la que espera grandes éxitos en las próximas temporadas.

¿Cómo surge la idea de la producción de 101 Dálmatas en Broadway?

A mí siempre me han gustado los espectáculos familiares y de los personajes de estos espectáculos mi favorito siempre ha sido la mala. Mi mala favorita siempre ha sido Cruella de Vil. Lo que quería era hacer 101 Dálmatas para poder hacer la Cruella de Vil más mala del mundo. Entonces, a partir de la idea de realizar espectáculos familiares busqué los títulos de 101 Dálmatas y si estaban libres los derechos para espectáculos. Los conseguí para España, donde funcionó muy bien, y después los conseguimos a nivel mundial.

Después de la gira del musical en Estados Unidos ¿se ha planteado llevarlo de nuevo a España?

En principio no. Ahora mismo en el estado en que está el musical tras hacerlo en el Madison Square Garden, tenemos pensado llevarlo al resto de países del mundo donde todavía no ha estado. Se está negociando para llevarlo principalmente a Inglaterra, y también actualmente estamos tratando de llevarlo a Sudáfrica, Alemania y Japón. Pero, España de momento no está en perspectiva.

Lleva un largo recorrido en el mundo de los musicales ¿podría hacernos un balance de lo prolífero de su carrera habiendo traído musicales tan novedosos a España como We Will Rock You hasta haberse convertido en el primer productor español en Broadway?

La verdad que pasito a pasito he ido haciendo con gente espectáculos familiares. 101 Dálmatas marcó nuestro primer gran éxito con el que ya ganamos un "dinerillo". Otra producción de la que nos sentimos muy orgullosos es El Zorro. Después vino We Will Rock You con el que ya se dio un paso al ámbito internacional. Luego pudimos traer Los Productores con Santiago Segura. Y poco apoco pudimos ir realizando toda la labor teatral.

¿Qué le supuso tener la oportunidad de trabajar en Broadway?

Explicado a la española es como un torero triunfar en las Ventas. Por muchas plazas en las que hayas toreado, torear en las Ventas tiene un sabor especial, un reconocimiento y un beneficio. Asimismo, la liga de productores de Broadway es un centro muy cerrado donde es muy difícil acceder. Nosotros hemos entrado este año y somos los primeros españoles en ello. Esto te sitúa en un nivel de seriedad y profesionalidad de lo más alto de la carrera. Producir en Broadway exige grandes niveles de seriedad, cumplimiento y respeto, por lo que se necesita un producto muy consolidado para poder cumplir con los objetivos.

¿Qué significó para usted recibir el premio "Young Professional" por parte de la Cámara de Comercio España- Estados Unidos?

Los reconocimientos y los premios de alguna manera alimentan el ego, y el ego es parte del alma. No es la mejor parte pero por lo menos es la que hace que se mueva el motor de la ilusión. El motor de la vida no es el amor ni el dinero, sino la ilusión por querer hacer cosas. Fue una gratificante sorpresa que al año de estar en Estados Unidos se nos reconociese como premio, y éramos los primeros en recibirlo en Nueva York. Realmente fue un orgullo y posiblemente fue uno de los días más bonitos de mi vida.

¿Cómo es la situación actual de musicales en Broadway?

A pesar de las luces que ciegan los ojos que lo ven desde fuera, Broadway es un mercado muy complicado donde producir es muy difícil y muy costoso. Los costes semanales rondan en una media de los 500.000$ por lo que muy pocos musicales son capaces de sobrevivir a un coste tan elevado. También es cierto que Broadway es el escaparate del mundo. Como nos ha pasado a nosotros cuando se expone un musical como 101 Dálmatas en Broadway, hemos invitado a los principales productores del mundo y todos han venido. En Nueva York todos los productores del mundo una o dos veces al año mínimo se pasan para ver musicales. Con lo cual para nosotros es como una manera para darnos a conocer, para mostrar los productos y que el resto de productores del mundo lo compren.

¿Cuáles diría que son las principales diferencias entre la producción de musicales en Broadway y en España?

La gran diferencia entre el mercado de Broadway y el mercado español es que allí hay una industria creada muy profesionalizada y en España no la hay. Digamos que allí están muy sistematizados todos los sectores, todos los engranajes de esta gran máquina industrial. Aquí digamos que somos unos cuantos productores cada uno con su propio formato y su propio modelo. Sucede lo mismo en la gestión de teatros. Cada teatro lleva su propio modelo y programación con una escasa unión entre ambos, es decir, entre productores y teatros. Creo que deberíamos unirnos más y tener más agrupaciones de productores y teatros. La principal diferencia entre agrupación y asociación es que en una agrupación todos votan y todos deciden lo que se va a hacer, mientras que lo que pasa con las diferentes asociaciones de España que representan el sector es que el que representa se beneficie más que los representados.

En una frase, la principal diferencia es que en Broadway hay una industria y en España no la hay.

¿Y entre el público español y americano?

Principalmente es la diferencia de la cultura. En Broadway hay una cultura local instaurada mundialmente de que en cuanto vas a Broadway tienes que ir a ver un musical, no puedes irte de Broadway sin ver un musical. Sin embargo, si vienes a España no puedes irte sin tomarte unas tapas. En España el teatro siempre ha sido un entretenimiento para minorías, pero para las masas están el fútbol o los conciertos masivos de Rock and Roll.

La red de teatros ARTeria es una idea cogida del panorama americano ¿existen más estrategias en la forma de producir y gestionar en Estados Unidos que vaya a implantar aquí en España?

La idea de ARTeria surge de Teddy Bautista y creemos que la mejor manera para gestionar una red de teatros es la del formato americano. Esta idea consistía en crear la mayor red de teatros de raíz hispana e implantar el modo de gestión americano, que tan bien ha funcionado durante treinta años en Estados Unidos.

Ahora que va a ser el encargado de gestionar los teatros Coliseum y Lope De Vega de Madrid ¿qué planes tienes para estas dos salas? ¿Se centrará en los musicales nacionales o también habrá cabida para las producciones de Broadway?

Con el Lope De Vega hemos llegado a un acuerdo para que Stage lo siga gestionando con musicales internacionales de gran formato. En el Coliseum vamos a llevar una programación muy parecida a la que estábamos llevando en el Calderón con musicales nacionales de gran formato. Uno de los contratos que está pendiente de firmar es el del musical Cuéntame que se iniciará la temporada que viene con Televisión española. Aparte de musicales también queremos hacer conciertos y como he dicho llevar la línea que hemos llevado en el teatro Häagen-Dazs Calderón.

Finalmente, como propietario de Wonderland ¿qué expectativas tiene para el resto de la temporada y para la próxima?

En el teatro Calderón tenemos previsto realizar el musical de Cómplices donde nosotros solo ponemos el teatro no somos los productores. Stage seguirá su contrato con Mamma Mia! En Barcelona tenemos La nit de San Joan y en Bilbao también tenemos varios espectáculos. En Buenos Aires tenemos una obra con Francella. En México aún no tenemos nada programado y en Nueva York estamos con el ARTeria festival, un festival donde se pretender recoger las principales compañías de espectáculos del mundo a Nueva York.

Musicales e Internet

La era de la digitalización ha llegado. Se apodera de todos y cada unos de los hogares. La incorporación de la tecnología en la vida cotidiana ocasiona continuos cambios en los hábitos de los ciudadanos.

Actividades como hablar con familiares y amigos, buscar calles, leer las noticas o hacer la compra se han incorporado a esta sociedad de la información internauta. Muy bien lo muestra el siguiente video, una parodia de la esfera digital en la que nos encontramos.

La mayor parte de la población está dotada de accesibilidad a Internet hasta el punto en que se está convirtiendo en una necesidad. Programas novedosos aparecen en nuestros equipos y frente la vertiginosidad de los cambios los usuarios intentan avanzar en sus conocimientos tecnológicos. Por su parte, las empresas son conscientes del poder que otorga el empleo de Internet a pesar de la famosa brecha digital. Internet es un medio a través del cual las empresas obtienen beneficios a nivel cuantitativo y cualitativo. En este punto abordo el ámbito de los musicales.

Centrémonos en YouTube, el servidor cibernético de vídeos por excelencia. Una vez el usuario se registre puede crear su propio canal donde subir vídeos o suscribirse a otros ofreciendo una mayor comodidad en la visualización del material.

Los musicales aprovechan todos los métodos posibles para autopromocionarse, como es crearse sus propios canales donde colgar vídeos inéditos, entrevistas o ensayos.

Además de un modo de promoción también ofrece la posibilidad de llevar a cabo las audiciones por la red. La comodidad se hace latente tanto por los aspirantes que no tienen que soportar las populares colas y para los directores de casting que les ofrece una mayor rapidez a la hora de evaluar. Sin embargo, las audiciones por Internet en la mayoría de los casos solo sirven para un primer contacto, ya que las demás pruebas serán presenciales. En estas últimas, las pruebas presenciales, se demuestra realmente la actitud profesional y personal en diferentes situaciones y la calidad artística.

Este pequeño ejemplo demuestra cómo la web 2.0 se va adueñando de los modos de trabajo. Los pixeles sustituyen a los cuadros, la pantalla al papel, el teclado al bolígrafo... Quizás sea por esto por lo que a la generación de los jóvenes nos llaman como los hijos de las nuevas tecnologías.

Reflexión del musical

Tras las primeras entradas subidas a este blog amateur me atrevo a hacer un balance del panorama del teatro musical español. La primera cuestión por resolver y que muchos de ustedes os preguntaréis es por qué he decidido crear un blog cuya temática es el musical. Principalmente se debe a dos motivos que se encuentran entrelazados el uno al otro: algo que empezó como una afición se está convirtiendo en una especie de trabajo en mi vida, y segundo como trabajo en ello, me siento responsable de informar sobre este sector que comienza a adquirir importancia en España. Como elemento novedoso en la sociedad puede resultar curiosa una página donde encontrar lo que se esconde tras las tablas.

Podemos abordar el sector del musical desde dos perspectivas, bien la que se encuentra detrás del escenario o bien la que cada día se sube a él. Como habréis visto en la bitácora se pretenden explicar las dos ya que es evidente que entre ambas partes existe permanentemente una interacción mutua. En los entresijos del teatro no solo hay disfraces, pelucas, micrófonos… sino que también se hallan, por ejemplo, el papel de los directores o el ámbito de la producción.
En nuestro país los centros principales de musicales son Madrid y Barcelona, pero es la Gran Vía madrileña la que posee mayores producciones de estos espectáculos. Parece que de nuevo un haz de cultura se hace ver entre lo cotidiano de nuestras vidas. La mezcla entre teatro de texto, canciones y baile se implanta en los escenarios de los mayores teatros temporada tras temporada.

Broadway es el horizonte hacia donde todos los entendidos posan su mirada. Es el escaparate de los musicales. La diferencia entre Broadway y España es abismal. Allí existe una industria ya formada y agrupada, aquí estamos en pleno desarrollo con una industria un tanto desorientada. Los musicales nacen en Broadway y en algunos casos, los más exitosos, llegan a nuestro país ya que muchos se quedan por el camino y nuestra oportunidad más cercana es viajar a Londres para poder disfrutar de ellos.

Algunos de los debates más populares son el modo de gestión y producción de los teatros que actualmente se está llevando a cabo, y la preferencia de los musicales nacionales o internacionales. En el primer caso hallamos principalmente dos productoras aquí en España: Drive y Stage; y también encontramos una gran polémica en el papel de la SGAE a la hora de gestionar de los teatros. Por otra parte, en el segundo caso, desde hace unos cinco años estamos viviendo dicha frontalidad: Hoy No Me Puedo Levantar frente Mamma Mia! o 40 El Musical frente Chicago.

Temas que admiten opiniones de todo tipo, temas delicados que afectan a la cultura. Sí, la cultura eso que no debemos permitir que se muera y que debemos cultivar día a día.

Elena Roger revive a Édith Piaf

El 26 de abril tuvo lugar el gran estreno de Piaf. La historia de la cantante Édith Giovanna Gassion, conocida como Édith Piaf se representará hasta el 18 de julio en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid. Canciones como Je Ne Regrette Rien, La vie en rose o L´hymne a l´amour forman parte del espectáculo protagonizado por la gran voz, Elena Roger.

Entrevista a Edu Morlans "En la mayoría de las audiciones está mal visto que un gordo dé bien en cámara"

Edu Morlans es un exitoso bailarín que trabajó en musical de mayor éxito Hoy No Me Puedo Levantar en España. Respondió a estas preguntas en la tercera temporada en Madrid del espectáculo. Hasta enero le hemos podido ver en el musical A, de Nacho Cano.

¿Cómo y cuándo comenzó tu carrera artística?
Comencé a los 3 años en el “Precio Justo” presentado por Joaquín Prats. Pero lo dejé todo un poco más apartado para dedicarme a estudiar y formarme. Compaginándolo con mis estudios, hice publicidad y episodios de series como “Compañeros”, “Policías”, “Esencia de poder”, “Hospital Central”, “Manos a la obra”. Más adelante hice cine, televisión, teatro, doblaje y hasta hoy en “Hoy no me puedo levantar”

¿Te ha costado llegar hasta aquí?

Sí, la verdad es que sí, desde un principio, además por mis condiciones físicas. En este país por desgracia estamos acostumbrados, o mejor dicho, nos tienen acostumbrados a ver a gente cuerpazo 100% en todos los campos del espectáculo salvo raras excepciones. Y yo dicho por la gente, que no por mí, he sido en cierta manera, el chico que ha empezado a romper los estereotipos de físicos a la hora de realizar cualquier trabajo en tele o teatro entre otros, como en lo que me dedico actualmente.

¿Crees que el físico afecta positivamente o negativamente a la hora de un proceso de selección?

Pues depende de cómo se mire. En la gran mayoría de audiciones, está mal visto que un gordo dé bien en cámara, o que lo pueda hacer bien, me remito un poco a la pregunta anterior. Pero cómo ya habéis visto muchos, en este caso, fue distinto. Yo por suerte, llevo mucho camino andado, pero sí, salvo raras ocasiones, todavía afecta negativamente.

De todos los lugares donde has trabajado ¿hay alguno que te haya marcado especialmente?

Pues me marcó mucho, mi primer trabajo en televisión y en cine como en el largometraje “20 cm” y sobretodo el doblaje en la película “Fin de curso”. No me veía poniéndole voz a un personaje con la voz tan grave que tengo.

¿Cómo llegaste a "Hoy No Me Puedo Levantar"?
Nosotros llamábamos a los casting “Operación Mecano”. Fueron muy duros.La primera criba fue entre 1500 personas de las cuales quedamos 900. Y la primera de todas, era solo cantar una canción pop española. Después era, baile, canto con baile (para ver el fondo que teníamos), interpretación y después las tres cosas juntas.
La hora y el día el cual me tocaba a mí hacer la primera prueba, fue la única que Nacho no estaba por un compromiso fuera de Madrid. Pues efectivamente me echaron por que “cantaba muy bien, pero no eran los perfiles que estaban buscando”. Al día siguiente, comiendo con una amiga y compañera, me llamó el propio Nacho, para por favor pedirme que volviese esa misma tarde a cantar.

¿Cómo se vive el triunfo de "Hoy No Me Puedo Levantar" desde dentro?

Ha sido récord en venta de entradas, 4.979 entradas en un día. Ya ha sido récord en estancia en Madrid. Se vive siempre con la adrenalina disparada por los aires antes de subir el telón. Y todo eso gracias al público siempre entregado. Nunca había sido un boom tan grande un simple musical.

Esta profesión es muy sacrificada ¿alguna vez has pensado en tirar la toalla, como por ejemplo, cuando te tuviste que someter a una intervención en la rodilla? Efectivamente es de las más sacrificadas. Y efectivamente, en mi caso, me lo llegué a plantear tanto que casi lo dejo todo. Bailando, me rompí un trozo de tibia, y me tuvieron que intervenir de urgencia para recuperarme. Hasta los médicos me advertían que me lo plantease, y gracias a mi gente, que me dieron fuerzas para seguir cumpliendo mi sueño, pude volver a bailar.

Tienes muchos seguidores ¿los consideras como un punto de apoyo para ti?

Sí, la verdad, que para lo que hago en el musical que no soy ni mucho menos un protagonista, tengo personajes sueltos, pero realmente solo bailo. Tengo muchos seguidores. Y digo yo, que aparte de otras cosas, siempre me dicen que se sienten muy reconocidos al verme. Ya sea por tener un cierto físico o simplemente por que soy una persona más de la sociedad donde no todo es igual. Siempre es un punto de apoyo principal el que tengas a gente que ya no te siga, sino que te apoye en todo lo que haces. Es muy gratificante.

Y por último ¿qué consejo darías a los jóvenes que luchan por hacerse un hueco en el mundo de la música?

Podrá salir adelante o no, pero nunca rendirse a nada, y siempre pelear hasta el final por tu sueño.

Entrevista a Javier Navares "Una de las claves de Hoy No Me Puedo Levantar es que la gente puede cantar las canciones porque están en español"

"Hoy No Me Puedo Levantar" es el musical que mayor éxito ha alcanzado en España. El espectáculo de las canciones de Mecano estuvo en Madrid durante tres años (2005-2008). Después realizó una gira de un año por toda la geografía española. Ahora triunfa en Barcelona.

Javier Navares, actor curtido en el campo del teatro de texto y musical, respondió a las siguientes preguntas cuando Hoy No Me Puedo Levantar estaba en cartel en Madrid. Hasta enero Navares ha subido día a día al escenario del teatro Haagen-Dazs Calderón de Madrid en el musical de Nacho Cano, A.

¿Por qué decidiste ser actor?
Yo siempre he sido muy payaso desde bien pequeño, por lo tanto siempre supe que tenía cualidades para ésto, hasta que un día decidí dar el salto a la interpretación. Entonces, empiezas a estudiar en cursos de teatro que para mí es la mejor base. Se coge así una formación a nivel actoral ya que se requiere de una técnica. Pero vamos lo que fundamentalmente me llevó a dedicarme a esto eran las ganas que tenía de agradar a los que tenía alrededor, que se puede hacer de mil maneras distintas, pero para mí ésta era la más accesible y la más fácil.

¿En qué otros proyectos aparte de Hoy No Me Puedo Levantar has trabajado?
Hace quince años que me dedico a esto, fundamentalmente he trabajado en obras de teatro de texto. Pero, de un tiempo a esta parte, desde hace seis o siete años me dedico al mundo de los musicales. Estuve en “El Barbero de Sevilla”, que era una versión de Tricicle, luego hice “Hello Dolly”, con Concha Velasco, después “We Will Rock You”, que estuvimos en el Teatro Calderón, y ahora con “Hoy No Me Puedo Levantar”

¿Cómo fueron las audiciones de Hoy No Me Puedo Levantar?
La verdad es que muy bien organizados, a pesar de que hubo muchísima gente, porque se presentaron cerca de 1500 personas más o menos. Pero fue como muy amable y muy humano, cosa que siempre se echa de menos en los casting, porque a veces no eres más que un simple número que se presenta. Te dan tu minuto a ver qué puedes demostrar, entonces el error que se comete en muchos casting es tratar de mostrar en un minuto todas tus cualidades, si canto, bailo o interpreto. Entonces menos es más, y a veces andan buscando algo muy concreto, y sobretodo yo recomendaría a la hora de hacer casting, no forzar la máquina, y no intentar mostrar algo que no eres, sino mostrar lo mejor que sabes hacer, y si estás dentro de las posibilidades de los que vayan a entrar te será reconocido. Esto no siempre ocurre porque a veces el físico corre en contra otras al favor, otras tu puedes ser un cantante muy bueno pero el rollo en el musical donde estás en este momento no funciona, porque si eres un cantante lírico para cantar rock, no vale igual que si es para cantar, música más ligera, con la voz abierta, con la voz engolada o proyectando. A la hora de interpretar igual, aquí en “Hoy No Me Puedo Levantar” el lenguaje es más coloquial, pero aún así se precisa de una técnica porque por ejemplo si estoy en el escenario haciendo de “Anselmo”, tengo que proyectar la voz para intentar llegar a la fila 20.


Como se ve Hoy No Me Puedo Levantar está teniendo un gran éxito ¿Cuál crees que es la pieza clave para que guste tanto al público?
Fundamentalmente, las canciones de Mecano, y a su vez que es un lenguaje muy cercano. Son historias que todos conocemos que provocan una cierta cercanía que hace que todo el público se sienta identificado. Esas dos cosas la cercanía y las canciones de “Mecano” hacen que a pesar de que sea una función que en tiempo real dura casi cuatro horas, al final te das cuenta de que has reído, has llorado, has bailado, has cantado y te has emocionado.

¿Qué opinas de Nacho Cano?
Nacho me ha dado la oportunidad de estar aquí, con lo cual le tengo que estar siempre agradecido. Además tiene una faceta que a parte de ser director, él es artista, con lo que nos cuida mucho a todo el elenco. Es un ser que tiene mucha humanidad y es el que más ejemplo da, porque es aquí el primero que llega y el último que se va, cosa que normalmente no hacen los directores, cuando una función se estrena el director puede aparecer de vez en cuando, pero aquí a Nacho le tenemos continuamente preocupándose por el musical.

¿Qué te parece tu personaje Anselmo?
Anselmo es un tipo de la calle, dueño de un bar. Lo que quise es que fuera lo más cercano posible a la gente. Todos conocemos a un Anselmo en nuestra vida que puede ser el tío, el abuelo o el primo. Es una persona que dice las verdades a la cara, que no deja de tener su punto irónico, pero que luego es un cacho de pan y tiene un corazón enorme.

¿ Cuáles son los actores y cantantes que más sigues? ¿Qué tipo de música te gusta escuchar más?
En cuanto a los actores, me gustan sobretodo Robert De Niro, Al Pacino, toda la escuela italoamericana. De España, admiro mucho a José María Pou, a Flotats y Javier Bardem. Y los cantantes que más sigo, sobretodo españoles, me gusta entender lo que canto y cantar lo que me cantan, como La Unión o Radio Futura. Además también creo que es una de las claves de Hoy No Me Puedo Levantar, la gente canta todas las canciones de Mecano, porque se saben la letra y están en castellano.

¿Es difícil compaginar la vida privada con el trabajo, en esta profesión?
Para mucha gente sí, para mí no. Puesto que mi mujer se dedica a lo mismo, se dedica al espectáculo, trabaja en el ramo de la producción, y en nuestro caso no es complicado. Pero yo sé que para la gente sí lo es, porque lo horarios de aquí son muy pocos convencionales. Hay que tener en cuenta, que si tu pareja o tus hijos, se levantan por la mañana, tú estás durmiendo porque has llegado del teatro a las dos, alas tres de la mañana, a las cuatro los fines de semana, entonces sí se hace difícil eso, porque las horas de sueño tuyas no son las mismas que las de los demás. Pero si eres organizado y tienes la cabeza bien amueblada, y haces el esfuerzo de levantarte un poco antes yo creo que se puede compaginar perfectamente.

El musical Piaf llega a Madrid este mes de abril

Una nueva obra musical llegará a Madrid este mes de abril en el Nuevo Teatro Alcalá, Piaf. El show basado en la vida de la cantante francesa Édith Giovanna Gassion, conocida como Édith Piaf, realiza un viaje por todas las experiencias de la artista. Serán trece temas de la artista parisina los que vistan nota a nota el espectáculo, entre los que destacan Je Ne Regrette Rien, La vie en rose o L' hymme a l'amour. Elena Roger, considerada como la gran estrella del musical en Londres, será quien interprete en España a Édith Piaf.

La producción original de Donmar Warehouse y dirigida por Jamie Lloyd fue un éxito en Londres, obteniendo maravillosas críticas y la actriz Elena Roger se hizo con el Premio Lawrence Olivier a la "Mejor Actriz de Musicales". Roger, que interpretó al "gorrión de París" en Londres y después en Buenos Aires, ahora llega a Madrid con intención de emocionar al público español de misma manera que lo ha ido haciendo a lo largo de las anteriores producciones. "Venir aquí a España me parece una hermosa situación. Es muy bello visitar distintas ciudades cuando uno trabaja en teatro y ver cómo es la reacción del público" afirmaba la actriz. Además, la obra cuenta con el elenco original argentino y Elena se mostraba orgullosa de ello. "Tiene un elenco argentino maravilloso y la obra la dirige Jaime Lloyd, el responsable del montaje en Londres y en Buenos Aires. Es decir, tenemos al equipo creativo entero, el original".

Piaf llega con mucha fuerza y según explicaba Elena Roger "es muy interesante la puesta en escena en la obra de Pam Gems, cómo logró en dos horas contar toda la vida de Piaf. Creo que es eso lo que provoca una gran intensidad que se forma con el público y se da una gran conexión. No sé si se puede medir la energía que se vive aquí dentro después de que termine una función, pero te puedo decir que es tremenda".

Intenso es el musical y por tanto intenso es el personaje de Édith Piaf. La protagonista la define como "una mujer a la que yo he aprendido a querer mucho, y me gusta mucho el personaje que hago cuando conecto con ella, con sus canciones. Tuvo una vida muy variada, diversa, que tiene todos los colores que puedas imaginar". Elena Roger es ya una experta en esta obra, y su personaje ha ido evolucionando a medida que lo ha ido interpretando durante todo este tiempo, "Uno va a aprendiendo sutilezas. Pequeñas sutilezas de toda la información que incorporaste en periodos de ensayos. Una vez que se estrena la obra, que los nervios se relajan, y tras hacerla y hacerla vas recordando lo que leíste, y vas dándole diferentes intenciones a los momentos en la obra," explica la actriz.

Además, Elena Roger tiene proyectos en el futuro igual de destacables que Piaf. Protagonizará Passion en Londres, musical con el que se quiere celebrar el 80 cumpleaños de Stephen Sondheim. "Es un personaje también muy duro, fuerte y bien trágico. La verdad, es que sí es una gran responsabilidad, pero yo me dedico a ésto y va a ser una gran felicidad empezar a prepararlo". Por otra parte, Evita llegará a Broadway, y también contará con la artista argentina como protagonista, como ya hizo en 2006 en Londres. Para ella está siendo una gran experiencia formar parte de tantos musicales de éxito. "Requiere mucho trabajo. Uno siempre quiere darle lo mejor al espectador y ser cabeza de una compañía requiere de mucha concentración y de poder dar todos los días el 80 %, 90 %, o 100%, y no moverse mucho de ahí," asume Elena Roger.

Ahora en Madrid con Piaf, Elena Roger desprende toda esa energía que ella comentaba para atraer al público español al que animaba a asistir a la obra. Una obra emocionante e intensa cargada de grandes canciones de la artista parisina Édith Piaf.

El musical Piaf se representa en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid (c/Jorge Juan, 62) desde el 26 de abril hasta el 18 de julio. De martes a viernes a las 20.30 hrs.; sábados a las 19.30 y 22.30 hrs. Y domingos a las 19.30 hrs.

Las entradas van desde 25 a 70 euros, están ya a la venta en la taquilla del teatro, en www.entradas.com, en El Corte Inglés, en www.elcorteingles.com y en 902 400 222.

Teatro Coliseum tras el telón

El 27 de marzo de 2010, Día Mundial del Teatro, el Teatro Coliseum se encargó de iniciar una visita cultural de la Gran Vía Madrileña que acabaría en la Plaza de Callao. La actividad dio comienzo con una breve explicación acerca de dicho teatro y tras esta introducción fuimos al interior. Dentro del Teatro Coliseum disfrutamos de sus lugares más secretos y que por un día eran expuestos al público.

El 4 de abril de 2010 la emblemática avenida madrileña, cuyo promotor fue el rey Alfonso XIII, cumplirá 100 años. Durante todo el centenario ha sufrido grandes modificaciones y ahora son los musicales los encargados de desprender cultura y arte a la época actual. La Gran Vía de la capital se está convirtiendo en el Broadway español. Prueba de ello son la cantidad de teatros en los que se representan musicales como: Chicago (Teatro Coliseum), 40 El Musical (Teatro Rialto) o King of Pop (Teatro Lope De Vega).

El Teatro Coliseum donde se representa Chicago ha sido el encargado este año de mostrarnos los entresijos del ámbito del musical. Como novedad, cabe destacar que la orquesta, compuesta por trece músicos y el director musical, ocupa un lugar primordial en el escenario durante todo el espectáculo. Con ello tanto Londres como Estados Unidos y España ofrecen una misma puesta del musical Chicago y la única diferencia son los actores que crean cada personaje, dándole matices propios. Otra de las cualidades más particulares de esta obra es que se trata de una función-concierto, es decir, los actores y bailarines permanecen en las sillas de la escenografía y cuando se va a interpretar alguna canción los artistas se mueven hacia el centro del escenario.

Seguidamente, uno de los lemas que se respira entre bambalinas día a día es: "el espectáculo siempre debe continuar". Esto implica un alto grado de concentración tanto en escena como en los ensayos. Por ello, el material técnico exige un gran cuidado, hay un micrófono para cada actor y cuando el micro falla se ha de cambiar inmediatamente con un margen de diez segundos como mucho. Los arreglos de micrófonos, los cambios de vestuario, los movimientos de detrás del escenario son solo algunos casos que demuestran la vertiginosidad con la que se trabaja tras el telón. Un ejemplo de esta rapidez de trabajo lo hallamos en un momento del musical Chicago, cuando el personaje de Roxi sale a cantar y tras la actuación sale del escenario por el hombro derecho, dando una vuelta por detrás del escenario donde la esperan dos sastres para llevar a cabo un cambio de vestuario, y después vuelve a escena a través del hombro derecho, en solo treinta segundos. Asimismo, existe un gran respeto hacia todos los elementos que se emplean en la obra para que no se deterioren. De ahí la anécdota que surgió entre los ensayos previos al estreno del musical que se decía a los actores: "no me toques las plumas" (refiriéndose a unas chaquetas con gran cantidad de plumas), con lo que aún conservan la frase cada vez que comienza la función. Los detalles están íntimamente cuidados ya que como se suele afirmar "la diferencia entre una buena producción y una excelente producción son los detalles".

A continuación, bajo el escenario mismo se hallan el foso que consta de un elevador para producir cambios de escena, salas de descanso, camerinos, la sastrería y la peluquería. En el interior del teatro músicos, actores, bailarines, técnicos y regidores conviven función tras función por lo que como hemos podido percibir las bambalinas se encuentran exhaustivamente cuidadas. Todos los movimientos que se dan lugar en los entresijos son profundamente estudiados siendo invisibles al público, de tal modo que cada noche tanto artistas como espectadores puedan disfrutar de la magia del musical.

Desde los años 98-99 por el Teatro Coliseum han ido pasando musicales como: Rent, My fair Lady, Cats, Víctor y Victoria, Los Productores, Fiebre de Sábado Noche, La Bella y la Bestia y ahora Chicago. Pero también ha ofrecido otro tipo de espectáculos como teatro de texto con El graduado o números de flamenco. Este teatro se encuentra en lo que se denomina el tercer tramo de la Gran Vía que va desde Callao hasta Plaza de España, conocido como la zona A. El segundo culmina con el Edificio Carrión adornado con el comercial cartel de Schweppes, y el primer tramo se construye desde la calle Alcalá hasta la Red de San Luis. Los arquitectos principales de la actual Gran Vía son José López Salaberri y Francisco Octavio Palacios que se basaron en el modelo anterior de Carlos Velasco. Asimismo, los dos objetivos principales de la construcción de la Gran Vía son por una parte comunicar el barrio de Salamanca con Argüelles, como sistema de descongestión de la Puerta del Sol y así liberar las calles insalubres y antihigiénicas de la época. El segundo objetivo se enmarca en el simbolismo de modernidad del Madrid cosmopolita y poder acercarse a ciudades como París, Milán o Londres. La Gran Vía recibe tal nombre en los años 80, con la movida madrileña, ya que antes había sido denominada como Avenida de Rusia, Avenida de México o Avenida de Obuses o del quince y medio.

En resumen, la Gran Vía Madrileña se ha ido transformando a lo largo de la historia. Ahora son los cafés, las rebajas y los teatros los que la presiden. Tanto es así que se han creado los premios de los musicales de carácter oficial, Los Premios Gran Vía. La gran avenida con todos sus cambios nos ofrece ahora vivir la magia del musical y sumergirnos en su mundo, como nos ha permitido el Teatro Coliseum en el Día Mundial del Teatro.